Художник проживает жизнь, полную взлетов и падений, высочайшего напряжения сил, которая интересна для писателя. Чтобы отстаивать свое право заниматься творчеством, нужно пройти долгий и, порой тернистый путь, где помимо художественных способностей, нужна особая сила характера. Можно писать не только про образы, колорит или моделировку объёма в живописных произведениях, но и о самой личности творца, его силе духа, терпении, упорстве на пути к своей цели. Литературный герой всегда примитивнее реального человека со всей его сложной многогранной внутренней жизнью. Но благодаря роману Ирвинга Стоуна «Жажда жизни» (1956) и изданию писем Ван Гога (1901) мы обязаны сложившемуся образу этого художника как святого, мученика, положившего свое личное счастье на алтарь живописи; в книге «Огюст Роден» (1903), Райнер Марии Рильке рисует образ Родена как великого труженика; Эмиль Золя, взял образ своего близкого друга, французского художника Поля Сезанна в качестве прототипа Клода в романе «Творчество» (1886). Свое развитие тема личности творца была отражена в биографиях отечественных художников из серии «Жизнь Замечательных Людей». Когда перед глазами встает образ Валентина Серова (автор В. А. Смирнова-Ракитина), бесконечно требовательного к себе, десятки раз переделывавшего свои работы, чтобы достигнуть ощущения легкости; или Ильи Репина, человека кипучей энергии (каким он показан в книге С. А. Пророковой), стремящегося дать ответы на запросы своего времени, терпеливо отвечавшего на десятки писем ежедневно и вступавшего в полемику по вопросам искусства — по-новому понимаешь знакомые с детства картины. А роднит все эти столь разные тексты лишь одно – умение показать сильный цельный характер художника.

Нет смысла спрятать неповторимую уникальность творческого человека за искусственными конструкциями формально-стилевого анализа, или демонстрировать свои познания в истории искусства, занимаясь поиском аналогов в прошлом, показывать, что владеешь семиотическим методом, выявляя знаковую систему в произведениях живописи – так я не приближу читателя к более глубокому пониманию творчества художника. Не объясню, в чем уникальность Веры Петровны Тюриной как человека и как художника, о чем ее акварельные работы и как они появились.

Социальные потрясения ХХ века российской истории сформировали несколько поколений, отличающихся друг от друга так сильно, будто это люди разных национальностей: невероятно мощное поколение 1940х-1930х годов, будто задавленное авторитетом и энергией своих родителей поколение 1950-1960х, совсем иное поколение 1980х, поколение 1990х-2000х родившееся в совсем другой стране. Общаясь с художниками 25-40 лет ощущаешь какую-то вялость, внутреннюю усталость, отсутствие интереса к искусству. Вера Петровна — человек поразительной жизненной силы, активности и живого ума, она не устает жить, творить, участвовать в выставках и конференциях. Вспоминается мысль, высказанная в статье немецкого поэта XVIII века Фридриха Шиллера «О грации и достоинстве»: деятельный дух распространяет свое влияние на все движения тела, делая все черты характерными, меняя даже данные природой формы. «Деятельный дух» — это, пожалуй, главный секрет художницы.

I

Вера Петровна Тюрина родилась в 1942 году. Ее детство прошло Москве. Великолепие архитектуры Старого Арбата, выставки, музеи, театры, общение с людьми, помнящими дореволюционные годы – формирует особое самоощущение. Можно называть это по-разному: вкус, чувство меры, уровень духовной культуры. Атмосфера места, где человек живет в детские годы, остается в памяти навсегда. Вера и по сей день хранит воспоминания о тех годах, интересуется историей своего города, участвует в деятельности клуба любителей истории Арбата «Зеленая лампа».

Выбор биологического факультета Московского государственного университета был данью семейной традиции: дед Веры Петровны –химик, а мама – врач. В университете обучение происходило по немецким иллюстрированным энциклопедическим альбомам, поскольку МГУ взял за основу изобразительную традицию XVIII века. Частью программы подготовки будущих биологов был практикум по изучению анатомического строения животных, где нужно изобразить графически все особенности строения, в чем Вера с удовольствием помогала другим студентам. В экспедиции от университета она брала с собой всё для рисования, чтобы запечатлеть, как в путевом дневнике красоту северной природы.

Изобразительное искусство, как и чтение книг, всегда было неотъемлемой частью жизни Веры Тюриной. В детстве она любила наблюдать за работой своего дяди, художника. В университетские годы Вера Петровна проводила все каникулы в Санкт-Петербурге в гостях у друзей, чтобы можно было целыми днями рассматривать живописные полотна из коллекций Русского Музея и Эрмитажа — изучать технику, видеть в одной работе отсылки к другим картинам. Яркими впечатлением тех лет стала выставка итальянской (венецианской) художницы Розальбы Каррьера (1673-1757) – советские художники почти не работали с пастелью, а если и использовали, то как материал для подготовительных рисунков. Веру восхищали композиционные решения живописных полотен романтиков тем, что эти художники всегда оставляют паузы, пространство, воздух. Изучение искусства путем непосредственного вдумчивого рассмотрения памятников обладает особым очарованием. Это напоминает знаточеский метод в искусствоведении, поскольку восприятие и интерпретация произведения в данном случае не опосредована стереотипами и догмами школы, а базируется на чувствах и ощущениях. Любое навязанное представление о том, какое искусство\период\художник выше и лучше других (или какие качества нужно ценить выше других) всегда противоречат здравому смыслу, заглушают внутренний голос человека, уводят в сторону от понимания изначального смысла живописи и искусства.

Вера говорит, что университет сформировал ее как личность, был для нее школой жизни. Многие думают, что университет – это годы муштры и зубрежки. Высшее образование учит планировать, распределять время, решать задачи и делать то, что раньше не делал. Понимание, что ты смог преодолеть то, что казалось непреодолимым, перерасти себя – дает ощущение крыльев за спиной и безграничной свободы. Советских ученых готовили к тому, что нужно активно отстаивать свою линию и совершать свои открытия, а не просто быть пассивными носителями и хранителями знаний.

После учебы в МГУ Вера Петровна работала по специальности в учреждениях Академии Медицинских Наук СССР, не бросая основную работу, Вера пошла учиться. Образование в сфере искусства она получила в ЗНУИ (Заочного Научном Университете Искусств им. Н.К. Крупской). Преподавал там художник-нонконформист, экспериментатор, стремившийся к созданию бесконечной картины, Борис Сергеевич Отаров (1916 — 1991). Особенность его метода состояла в том, что он не подавлял учеников своей харизмой и не навязывал им свой метод, превращая студентов в своих эпигонов, а старался раскрыть уникальность каждого. Занимаясь научным трудом, Вера ощущала тот же внутренний зов, который знаком многим художникам и так сильно отвлекает от выполнения рабочих задач: природа расцветает, светит солнце, и хочется эту красоту изобразить, а ты прикован к рабочему месту…

II

Семейные обстоятельства вынудили Веру оставить работу в центре Москвы и искать что-то ближе к дому, на юго-западе Москвы. Вера Петровна сама создала уникальную систему, позволявшую ей творчески заниматься педагогической деятельностью. Она работала по своей авторской программе, поскольку хотела, чтобы занятия в студии приносили радость и учителю, и ученикам. Взять на себя такой труд невозможно без огромной любви к детям. Вера хотела, чтобы дети учились быть самостоятельными, вести проекты, решать задачи, мыслить, творить. В программу для школьников старше 5 класса Вера включала элементы журналистики. Большинство студий предназначены для учеников 1-4 классов и намного меньше выбор курсов и кружков для тех, кто старше, а ведь развитие должно продолжаться и в подростковом возрасте.

Многие из выпускников студии «Образ и Слово» поступили в ведущие художественные ВУЗы столицы и МГУ, многие выбрали себе другое направление, но Вера Петровна гордится всеми своими воспитанниками.

Основной принцип, на котором были построены занятия в студии звучал так: «Поэзия — говорящая живопись, живопись — немая поэзия». Студия под названием «Образ и Слово» впервые открыла свои двери для школьников 1982 году на базе Дома пионеров Советского района благодаря творческому союзу супругов Александра Подбелло и Веры Тюриной. Александр Подбелло поэт, журналист, художник, переводчик стихотворных текстов.

«Образ и Слово» — поиск нового синтеза для видов искусства, которые в ходе развития европейской цивилизации и секуляризации культуры оказались обособленным. «Чистые искусства» (или «автономные искусства», как их назвал крупный искусствовед Ганс Зедльмайр) — это идея, зародившаяся в XIX — начале ХХ века. И каждое из искусств дошло до такой точки в плане разработки своих собственных средств, что зрители перестали понимать, о чем же оно. Искусство стало всё больше замыкаться в своей башне из слоновой кости. Чтобы понять мыслительные построения, породившие «чистую форму» и «чистый цвет» в живописи, «заумь» в поэзии В. Хлебникова и И. Крученых – нужно прослушать цикл лекций. Но многие поэты, художники, музыканты конца XIX – начала ХХ века занимались обогащением одного искусства возможностями другого. Этому способствовали исследования в области синестезии, цветоведения, психологии восприятия.

Идею соотнесения цвета с поэтическим словом, звуками речи можно увидеть в стихотворении поэта А. Рембо «Гласные» (1871):

А – черный; белый – Е; И – красный; У – зеленый.
О – синий: тайну их скажу я в свой черед,
А – бархатный корсет на теле насекомых,
Которые жужжат над смрадом нечистот..

Такой же прием есть в стихотворении Сергея Есенина «О красном вечере задумалась дорога…» (1916):

О красном вечере задумалась дорога,

Кусты рябин туманней глубины.

Изба-старуха челюстью порога

Жует пахучий мякиш тишины.

В творчестве Сергея Есенина много говорится о цвете: «синь стекла», «желтоволосый отрок», «зола зеленая из розовой печи».

Аллитерации – это подражание не формам и цветам предметов, а звукам жизни. Стихотворение Александра Подобелло «Парусник» наполнено аллитерациями:

«Мой парусник печален на причале

Опал нечаяно парусом   

И сник

Те паром, те плечами качают палевую даль под палуб сны»

Живописное произведение Веры Тюриной «Парусник»., карт., пастель, (1976), связанно со стихотворением Александра Подобелло. Работа Веры созвучна ему по настроению, состоянию, но не иллюстрирует, а расширяет интерпретацию стихотворения, не сводит поэзию к единственному визуальному образу, а напротив открывает простор для воображения, заставляет рисовать свою картину: можно представить этот корабль сереньким осенним дождливым утром, а можно представить, что он грустит предрассветной синеве, когда все корабли отправятся в плаванье, а он так и останется на месте….

«Парусник», карт., пастель. 35х47. 1996

Для художника очень важна реакция на его произведения. Без этого творчество теряет смысл как письма без адресата, как речь без слушателя, не найдя отклика, человек может и вовсе перестать творить. Основа подхода крупного отечественного литературоведа Юрия Лотмана заключается в уподоблении искусства акту коммуникации. Одобрение и порицание – это астролябия, карта и компас, по которым художник понимает, куда ему двигаться. Высшая награда для творческого человека — увидеть новую интерпретацию созданных им образов, их продолжение и развитие в творчестве другого человека.

Некоторые стихотворения Александра с Подобелло были написаны по мотивам акварелей Веры, а и иногда случалось, что поэтические строки становились поводом к созданию живописных произведений. Но для Веры Тюриной поэзия не соперница, а спутница живописи, которая поддерживает ее там, где кончается власть художественного слова.

В жизни Веры есть еще одно творческое содружество – с поэтом, журналистом, мастером поэтического перевода Маргаритой Березкиной. Её портрет, написанный Верой в 1975 году представлен на персональной выставке «35 лет вместе с библиотекой» (Москва, Библиотека № 168, сентябрь 2023). Было выпущено 2 поэтических сборника Маргариты «Новая Одиссея» (2021) и «Стихия Света» (2019), где картины Веры – это не иллюстрации, а реплики по поводу стихотворных произведений, подобно тому, как иероглифы в древнекитайской живописи составляют неразрывное целое с пейзажем. Созвучие как способ связи текста с изображением – результат диалога, живого обмена впечатлениями стало основой сборника «Новая Одиссея».

«Время снов как вода

И над пропастью шаг …

Белый слон – никуда

Не спешит в забытьи…

Воцаряется мрак

—

Лик мадонны в ночи

Над младенцем приник ….

На корме – ни души,

Кроме этих двоих»

«Башня Белем. Лиссабон. Португалия», б., акв., 65х35. (2019)

Рядом со стихами Маргариты Березкиной напечатана фотография акварели Веры Тюриной «Башня Белем. Лиссабон. Португалия», б., акв., (2019). Башня Белем в Лиссабоне – это место, откуда начинался путь в Индию, куда возвращались первооткрыватели на своих кораблях. Вера передает облик белой башни на берегу моря, которая сливается с небом и превращается в сказочный мираж, а Маргарита пишет об ощущении человека, плывущего на корабле по бескрайним морским просторам. В эссе Г. Э. Лессинга «Лаокаон» (1766) сказано о том, что живопись показывает один момент, а поэзия говорит про то, что разворачивается во времени — действия, слова, чувства. Акварели Веры поддерживает и дополняет поэзия Маргариты. Другой пример – стихотворение «Лилии» из этого же сборника, связанное с работой Веры Тюриной «Лилии. Поэтесса» х., карт., масло (1976):

Разноцветные блики стекла

Невесомые всплески тюля –

Отраженье мечты в зеркалах

Предзакатного света в июле.

Перламутровых лилий настой настой,

Фиолетовый привкус люпина –

Все осталось там, за чертой,

За коричневой рамой картины.

«Лилии. Поэтесса» х., карт., масло. 70х50. (1976)

При взгляде на картину, эти строки врезаются в память, становится грустно, что безвозвратно умирает день, что невозможно остановить мгновение даже силами двух разных видов искусств. «За коричневой рамой картины» — жизнь всегда больше, чем то, что может ухватить художник или поэт, вся совокупность красок, запахов, ощущений всегда остается «за рамой», «за строками». И это понимание наполняет легкой грустью этот простой и незатейливый натюрморт.

Работы Веры передают состояние особой тишины, в которой различим шум ветра, падающего листа; тишины, располагающей к поэзии созерцанию. Вера Тюрина пишет главное – атмосферу места, свои ощущения и эмоциональное состояние. У нее нет заученных красок и «фирменных приемов». Вера обладает редким пониманием духа, а не буквы живописи. Художники с академическим образованием, работая с натуры, занимаются изображением световоздушной перспективы, передачей цвето-тональных отношений, моделировкой объема — пишут природу или натюрморт ради отработки навыка. Такой подход не приводит к созданию художественного образа средствами живописи, что отличает авторское произведение от подготовительного наброска. Вера Тюрина изображает Образ места, а не перечисляет детали. Ее отношение к живописи напоминает подход французского художника-импрессиониста Клода Моне, который соорудил плавучую лодку-студию, чтобы писать с натуры игру бликов на воде, создал Водный сад, чтобы писать отражения в жидком зеркале воды. В живописи для Веры Тюриной не существует понятия «сделать потом» — уйдёт ощущение, будет другой свет, другие краски. Поэтому она пишет быстро, движения ее кисти смелы и экспрессивны. Таковы ее работы «Нептун и наяды», картон, темпера, (2013), «Бугенвиллия. Греция», б., акв., (2013), «Цветы и море», б., акв., (2011).

«Нептун и наяды», картон, темпера, 40х50. (2013)

Вера Петровна сохранила детскую непосредственность, умение мечтать и замечать поэзию в повседневном: видеть итальянские мотивы в парке Павловска «Павловск», б., акв., (2022), радугу и идущий памятник в струях дождя «Таруса. Двойная радуга., б., акв., (2021), нормандское солнце в московском парке «Закат. Аксаковские зори», б., акв., (2021). Немногие взрослые так тонко чувствуют мир. Чувства художника всегда должны быть обострены, чтобы найти красоту в самых непримечательных мотивах. Н. Заболоцкий в своем стихотворении «Вечер на Оке» (1957) писал:

В очарованье русского пейзажа

Есть подлинная радость, но она

Открыта не для каждого и даже

Не каждому художнику видна.

Вера работает исключительно с натуры. Отечественный художник В. И. Суриков, говорил, что если бы он писал ад, то сам стоял бы в огне и в огне позировать бы заставлял. В ту эпоху требовались огромные программные полотна, где были размышления вселенского масштаба, концентрация идей, актуальных для интеллигенции того времени. Трудно вообразить подобную картину, которая говорила бы о том, что сейчас волнует многих людей и не устарела бы в течение пяти лет. Для современного художника особенно актуальны слова Будды о том, что каждое мгновение имеет свою необходимость. Изменчивость мира подобна непредсказуемым, трудноуправляемым акварельным краскам. Это техника импульсивная, подвижная, получится ли легкая красивая работа, где много воздуха и света – зависит от настроя, состояния.

Художественное вúдение отличает художника от других людей. Видение нужно для того, чтобы соединить хаос красок и ощущений в цельный художественный образ. Но сделать это легко, изящно, естественно. Ведь грация, как пишет Шиллер, есть архитектоническая красота, проявляющаяся в движении. Для живописца движение состоит в выборе сюжета, в том, как на его полотнах хаос визуальных ощущений становится метафорой, художественным образом.

Легкость –важное свойство для современного художника. Подобно тому, камень падает вниз, а перышко плавно парит на ветру, творчество невозможно без легкости, открытости новому, активному взаимодействию с миром, общению с людьми. Живопись «напоказ», «чтобы купили», чтобы показать свое умение не может привлекать. Поскольку такие картины не обладают грацией. Грацией Шиллер называет черты непроизвольного в намеренных движениях, но такого непроизвольного, что соответствует нравственным основам души, а когда мы видим нечто искусственное, насильственно сделанное там, где должна быть естественная красота, то мы не можем простить обмана, и наша душа движется прочь. Именно ощущение легкости отличает все работы, представленные на персональной выставке «35 лет вместе с библиотекой! в (город Москва, библиотека № 168, сентябрь 2023).

«Писать только отрадное» — так сформулировал свое кредо русский художник Валентин Серов. И оно близко тому, что делает Вера Тюрина. В ее акварели «Храм в селе Узкое» (2016) архитектура становится почти невесомой и превращается в видение, стены будто пропитывает свет, словно здание находится где-то в облачной дали, в горнем мире. Работа «Гранат», б., акв., (2021) наполнена ощущением теплого весеннего солнца, наполняющего радостью каждый день после череды хмурых зимних и осенних дней.

«Храм в селе Узкое» б., акв., 65х35. (2016)

«Гранат», б., акв., (2021)

Светом, который делает цветными тени, полутона, рефлексы на предметах, наполнена композиция «Воспоминания о лете» б., акв., (2013), посвященная матери художницы. Тот, кто рабски копирует натуру, написал бы вазу на окне темной, как глаз воспринимает все предметы, располагающиеся против света. Но Вера не пытается соперничать с фотографией, она пишет состояние души, ощущение. Живопись Веры напоминает тихий, все заполняющий свет – такой, как есть в работах «советского модернизма 1930х» — Фалька, Лентулова, Осмеркина, Истомина, Лабас. Их натюрморты– это не манифесты и провокации, они про  радость бытия, красоту и поэзию в самом обыденных вещах. Живопись Веры Тюриной несет в себе ощущение радости, света, полета.

III

Искусство дает ощущение, что ты вечен. Творчество – внутренний стержень и источник жизненной силы. Оно позволяет подобно ребенку, радостно ждать завтрашний день, предвкушая новые свершения и открытия. Новая работа – это новая жизнь, новые задачи, новые вопросы к миру и себе. «Деятельный дух» — это и есть основа для творчества во всех сферах жизни.

Деятельность студии «Образ и Слово» не состояла только из занятий по рисованию, Вера Петровна Тюрина проводила много выставок детских работ (в том числе и в библиотеке № 168), отправляла детские работы на городские и региональные конкурсы. И несмотря на свою занятость, Вера успевала не только писать свои авторские произведения, но и участвовать в общественной и художественной жизни столицы.

«Воспоминания о лете» б., акв., (2013)

В последние годы Вера Петровна Тюрина много экспонирует свои работы, печатается в каталогах. Она член Федерации Международной Федерации Аквалеристов, член клуба «Художник», объединения «Коломенский художник», общественной организации «Общество охраны памятников», а также Международного Художественного Фонда, Федерации «Акваживопись» ТСХ России. Она неоднократно принимала участие в арт-фестивале «Рисуем Покровский Собор», выезжала на пленэры, связанные с музеями Москвы (благодаря которым появились такие работы как «Музей А. Островского» б., акв., (2014). За последние годы акварельные работы Веры Петровны Тюриной приняли участие во многих групповых выставка в Москве и международных конкурсах, помимо этого, она сделала ряд персональных выставок: «Лето пришло в Библиотеке №25 имени Всеволода Иванова» (2022), «Отдых в городе» и «Ровесникам» в ТЦСО «Зюзино» (2016).

«Человек – творец своих состояний» — пишет Шиллер в эссе «О грации и достоинстве», — он не должен подобно другим существам лишь отражать лучи чужого разума, пусть даже и божественного, а должен блестеть своим собственным светом. Вера Тюрина обладает особым внутренним светом, она человек удивительно легкого отношения к жизни, к своему творчеству. И по сей день Вера объединяет вокруг себя интересных талантливых людей, готовится к участию в новых выставках и с оптимизмом строит свои планы на будущее.

Мария Сивкова