Валерий Бегунов. «Два фестиваля из многих». Обзор театральных событий. (Дополнительно: Фоторепортаж)

Фестивали – особая составляющая театральной жизни. Фестивалей снова становится все больше. Фестивальные программы – и конкурсного типа, и чисто информационно-обзорные побуждают зрителей к большей активности. Да и сами театры – и независимые, и государственные – все активнее стремятся попасть в афишу какого-либо сценического смотра. На фестивалях, когда в течение короткого времени проходят ежедневные интенсивные показы спектаклей, — вдруг обнаруживаются неожиданные параллели и сближения казалось бы противоположных по тематическим и эстетическим устремлениям коллективов, драматургов и постановщиков. Возникают неожиданные ассоциации и открываются тенденции, которые были скрыты и не просматривались явно в «текучке» ежедневных творческих сценических практик.

В ноябре в столице прошли два фестиваля, очертивших рельеф казалось бы далеко лежащих друг от друга театральных территорий: это 3-й Московский фестиваль малых и независимых театров и театральных групп «МОСКОВСКАЯ ОБОЧИНА» и Второй фестиваль государственных драматических театров Вооруженных Сил Российской Федерации «ЗВЕЗДНАЯ МАСКА».

1. «Московская обочина» в «Театральном особняке»

Три года назад режиссер, педагог, художественный руководитель и организатор Московского «Театрального особняка» Леонид Краснов придумал фестиваль независимых сценических групп – «Московская обочина». И вот уже в третий раз «Театральный особнякЪ», при кое-какой спонсорской поддержке и помощи муниципальных структур Тваганского района, предлагает зрителям творчество тех, кто существует как бы за пределами «официозного генерального потока» и шумного «гламурно-авангардного мейнстрима». В третий раз в двух залах на Школьной улице несколько дней подряд свои сценические работы показывали малые муниципальные театры, частные и независимые команды и «свободные группы» собравшиеся на один-два некоммерческих проекта. Если в первый раз было много реально молодежных и почти студенческих команд, и в афише оказалось немало спектаклей по современным российским и зарубежным пьесам, а многие спектакли были, по сути, фестивальными премьерами (и даже прошло несколько читок и экспресс-показов по совсем недавним сочинениям маститых и молодых современных авторов), то на 2-й, прошлогодней, «Обочине» крен случился в сторону российской и зарубежной классики. Нынешняя, 3-я «Московская обочина» тоже имела свои особенности: во-первых, заметно поднялся возраст участников – и среди постановщиков, и среди сценографов, и среди актеров было немало профи средних и даже старших возрастов; во-вторых, творческие поиски, новаторские изыски, поиск нового языка общения с современным зрителем, поиск новых тем и небанального, свежего, незатертого взгляда на нынешнюю нашу жизнь строились на основе текстов наших современников. Но не буквально недавно появившихся литературных сочинений, а на основе драматургии и прозы 60-х, 70-х, 80-х, 90-х гг. 20-го столетия: Б.-М. Кольтес, Х. Кортасар, И. Бергман, Э. Ионеско, И. Бродский, Л. Петрушевская, В. Гуркин, Вен. Ерофеев – вот вполне уже ставшие «классиками наших дней» авторы произведений — литературных основ спектаклей в афише 3-й «Московской обочины». Правда, обозначились и «крайние точки»: с одной стороны, была представлена и пьеса Икотка» молодого российского драматурга наших дней В. Зуева; с другой стороны – была представлена инсценировка рассказа И. Бунина «Чистый понедельник» и показана в форме «срепетированной читки по ролям» давняя знаменитая пьеса Г. Ибсена «Враг народа» («Доктор Стокман»).

Внутри фестивальной афиши возникали параллели и переклички. Начать с того, что фестиваль оказался в «рамочном обрамлении» поэзии. Первым спектаклем смотра была постановка, соединившая манеру «синей блузы», элементы мистерии, доку-драмы и символико-поэтического действа — «Маяковский. Совершенно секретно» (театр-лаборатория FUTUROOM, режиссер Мария Шмаевич). Это своеобразное сценическое расследование судьбы, жизни и смерти поэта Владимира Маяковского, а стрежнем событий становятся его стихи. Завершался же фестиваль спектаклем хозяев, недавней премьерой «Театрального особняка» по поэме И. Бродского «Посвящается Ялте» — «Антидетектив» (режиссер А. Васюков, художественный руководитель постановки Л. Краснов). И это тоже оказалось своеобразное поэтическое расследование – но скорее, философско-этическое: на тему того, где границы, которые очерчивает для своего внутреннего взора человек, когда решается (нередко под давлением катастрофических житейских обстоятельств) заглянуть в глубины своей души, чтобы честно разобраться с самим собой.

Фестиваль неожиданно показал, что независимые группы тяготеют к малофигурным постановкам. В афише сошлось сразу три моно-спектакля! И, вопреки обычным ожиданиям: это, дескать, будет скучно и монотонно, — это оказались темпераментные, страстные действа, с острым световым решением пространства, с небытовой, почти танцевальной пластикой и экспрессивной манерой актерского существования на сцене.

Первым был показан моноспектакль «Ночь на пороге лесов» по произведению Бернара-Мари Кольтеса – с грандиозной, подчас почти запредельной самоотдачей (порой даже разрушавшей форму действа) самоотдачей актера В. Любовского. Затем мы увидели «Москва – Петушки. Поэма» по знаменитому тексту Вен. Ерофеева – ироничную, необычайно нежную, трогательную и горькую, но полную надежды и обаяния замечательную работу С. Карякина (артист не педалирует питейный грех своего персонажа, не смакует его… но мягко проводит тему личной ответственности).

Моноспектакль «Москва – Петушки»

И третьим был сыгран моноспектакль по рассказу Х. Кортасара «Маргрит», (режиссер Константин Демидов, хореограф Алишер Хасанов; театральная группа «Театркоторогонет»). Здесь также актер Денис Старков демонстрировал мощную самоотдачу, а смыслы текста и описываемых событий открывались через взаимодействие сложного пластического рисунка роли с игрой света, теней, бликов и полутонов.

Зрителям фестиваля были предложены и три «дуэтных спектакля». Это «мужской дуэт», как бы бытовой сюжет наших дней, но на самом деле условно-фантасмагорическая история «Икотка» по пьесе В.Зуева (режиссер Ирина Глебова; Первая экспериментальная молодежная Вахтанговская студия – театр «Турандот»). Театр «Музей человека» в режиссуре Анатолия Гукова предложил инсценировку рассказа Ив. Бунина «Чистый понедельник» — историю любви, страсти, болезного притяжения-отталкивания и обретения веры; добротное, психологически подробное действо с минимумом акссесуаров и предметов на сцене – режиссерское решение целиком строилось на актерской игре.

Сцена из спектакля «Чистый понедельник»

И чисто «женский дуэт»: «Стакан воды» по давней пьесе Л. Петрушевской (режиссер Евгений Соловьев; драматическая студия «Театроль») – тоже очень простая, условная сценография, тоже бытовой, подробный, проработанный до мелочей реалистическо-психологический рисунок ролей.

(На фото слева: Спектакль «Стакан воды»)

Идем по возрастанию числа актеров на сцене – но при сохраняющемся минимализме сценических форм: в афишу были включены и три «спектакля-трио», работы совершенно полярные по исходному литературному материалу, по творческой манере, по зрительскому адресу, словом, практически по всем параметрам – но каждая постановка вызвала, по-своему, неподдельный интерес и живой отклик зрителей. Первая из них – уже сравнительно давняя, накатанная и устоявшая постановка по пьесе современного российского автора С. Носова «Страшилки обыкновенные» (режиссер Карен Нерсисян; «Старый театр») — череда забавных, издевательских, в чем-то абсурдных, а в чем-то житейски узнаваемых и реалистичных историй, скетчей и гэгов, близких по манере и «ночным пугалкам» летних подростковых лагерей отдыха, и историям обэриутов.

Театральная группа «Переулок» п/р В. Красовского представила в режиссуре Юрия Зайцева пьесу И. Бергмана «После репетиции». Это ироничное, подчас издевательское и весьма откровенное рассуждение знаменитого режиссера и драматурга о природе театра, о природе театрального творчества, о жажде одиночества – и невозможности творить, опираясь только на внутренние резервы своей души. Этот своеобразный букварь-перечень всех проблем, с которыми сталкиваются в общении и в совместном творчестве люди театра – и сыграна эта история взаимоотношений режиссера с двумя актрисами с полным пониманием и знанием дела, с тонкой и умной самоиронией. Ну, и еще

Сцена из спектакля «Страшилки обыкновенные»

одно актерское трио (правда, в сопровождении виолончелистки) – спектакль режиссера Н. Харитоновой «Звуки и голоса» по циклу рассказов Сергея Козлова – о Ежике, Медвежонке и Зайце. Снова минимум сценических предметов. Актер и две актрисы в черных лаконичных одеяниях, без всякого грима. И необычайная теплота и проникновенность общения со зрителями. Ирония – и задушевность. Тонкость и нежность – и получился истинно «семейный спектакль» для юных, и для взрослых: о хрупкой красоте мира и красоте дружбы и чуткого взаимопонимания.

Спектакль «Звуки и голоса»

Были на фестивале, разумеется, и «крупнофигурные» постановки. Например, театр «FM» в режиссуре Михаила Фейгина представил лирико-ироническую, бытовую и в то же время поэтически приподнятую «Прибалтийскую кадриль» по пьесе В. Гуркина. При том, что фестивальная площадка сильно отличалась от той сцены, на которой обычно играется эта постановка, и, при помощи хозяев, режиссеру и его актерской команде пришлось буквально из ничего и заново придумывать сценографическое решение и оформление, — эта работа получила свое заслуженное зрительское внимание и одобрение. Этот спектакль, как и ряд других работ фестиваля, показал, что и «обычные зрители», и «продвинутая публика» по-прежнему ценят добротное реалистическое действо, в котором внятно рассказана история, а сам сюжет, режиссура и манера актерского существования обращены непосредственно к душе, к чувствам зрителей и явно «берут за живое»… Еще одна «многофигурная» постановка (но тоже режиссером Андреем Дрозниным решенная в минималистской манере «лаконичного театра») – «Лысая певица» по пьесе Э. Ионеско актерской экспериментальной мастерской «АктЭм»). Издевательский парадоксализм знаменитой пьесы подчеркнут острой, но ясной режиссурой и актерским существованием на грани гротескной клоунады – и получилось темпераментное, зажигательное действо, вызывающее постоянный смех и живейший отклик зала.

Были и еще две масштабные, объемные работы — они вызвали неоднозначную реакцию зала. Независимый театр «Свеж» в режиссуре Светланы Азарянц сыграл инсценировку по давней повести О. Файнштейна «Кража». События происходят в семье, переживающей в Москве первые годы войны. Сложная композиция, длинный ряд ролей – не всегда сыгранных ровно; замечательно работающая юная актриса в роли девочки – главной героини. Материал, вызывающий сочувствие зрителей. И ряд проблем, связанных с умением рассказать историю из другого, незнакомого времени, из вроде бы близкой, но уже покрытой патиной времени эпохи…

Сцена из спектакля «Кража»

Творческое объединение «Гнездо» в режиссуре Александра Гнездилова представило композицию «Враг народа» («Доктор Стокман») по мотивам знаменитой пьесы Генрика Ибсена. Актеры сидели за большим столом – и как бы среди зрителей. Очеень продуманная, четко выстроенная ткань действа. Проработанные актерские работы (многие из которых весьма впечатляли). Актуальнейшая тема и этически необычайно жизненный современный сюжет. Но эта постановка, как и «Стакан воды» по Л. Петрушевской (и в какой-то мере «Кража» по О. Файнштейну и «Ночь на пороге лесов» по Кольтесу) обозначили важную проблему – как бы «устаревание» на наших глазах текстов, написанных сравнительно давно, но все же — нашими современниками, в наше время. Конечно, не текст сам устаревает, а какие-то его мотивы, какие-то его линии, темы, даже в чем-то форма и манера письма. Но если театр ощущает, что эти тексты несут в себе сильнейший эмоциональный и эстетический заряд и могут быть по-прежнему интересны зрителю, то, видимо, нужно ясно отдавать себе отчет в том, каков текст, когда написан, как изменился язык художественного общения театра и публики, и какие реалии жизни и быта и понятия, связанные с ними, ушли и больше «не работают»…

При всей камерности и минимализме ряда спектаклей в афише 3-й «Московской обочины», многие работы показали и то, каковы некоторые из актуальных направлений развития современного сценического языка. Например, современный театр все активнее и удачнее осваивает сочетание «волшебного», «мистического» пространства сцены с плоскостными изображениями – в том числе, различного рода комбинациям световой партитуры с видео-рядом. И, скажем, три таких непохожих постановки, как «Маяковский. Совершенно секретно», «Москва-Петушки. Поэма» и «Звуки и голоса, показали очень удачное «вписывание» видео-инсталляций в общую художественную композицию спектакля. Меняющийся по ходу сценического времени видео-ряд становился особым «партнером» актеров в разворачивании сюжета и выстраивании художественной канвы спектакля.

2. Военные театры: на суше и на море.

В середине ноября «театр-звезда» (ибо, как известно, в плане это здание, обрамленное девятью десятками колонн, действительно представляет из себя пятиугольную звезду) – грандиозный Центральный академический театр Российской армии принимал на своих большой и малой сценах Второй фестиваль драматических театров Вооруженных Сил Российской Федерации «Звездная маска».

Министерство обороны РФ, выступившее основным организатором смотра, постаралось сделать так, чтобы все коллективы-участники могли находиться в Москве в течение всего фестиваля, смотреть спектакли друг друга, присутствовать на обсуждениях и клубных встречах, обмениваться в кулуарах, в неформальном общении, мнениями с коллегами и специалистами.

Эти театры, находясь в ведомственном подчинении армии и флота, приехали – хотя и из крупных городов, но издалека, с дальних границ нашей страны. Однако они показали во многом зрелые, внутренне духовно масштабные работы, представляя и определенный срез нестоличной театрально-культурной жизни, и то, что они вполне вписаны в современную проблематику российской культурно-общественной и творческой жизни.

И особенно интересно было на фестивале наблюдать общение этих «далеких от центра» творческих коллективов со столичной публикой. Залы ЦАТРА (в в этом театре и «малая» сцена вполне себе вместительна) на спектаклях «Звездной маски» были полнехоньки – каждый день наблюдались самые натуральные аншлаги; что, конечно, безусловно радостно для театров. Но серьезный материал для размышлений и оценок давал само наблюдение за тем, как вдумчиво, на одном дыхании, смотрели зрители фестивальные спектакли. Наверное, это самый важный итог «Звездной маски» — он показал, что зритель наш, обычный, «массовый» театральный зритель самых разных возрастов и социальных статусов тяготеет все же к основательным, серьезным, духовно содержательным спектаклям. Это могут быть и комедии, и драмы. Это может быть сложное и новаторское по языку действо. Но зритель откликается на внятный, яркий, образный сценический рассказ об узнаваемых житейских ситуациях, о стойких, самобытных личностях. Зритель ценит не снисходительное, а уважительное отношение к себе театра и режиссуры. Зритель внимательно вслушивается в текст и вдумчиво следит за сюжетом – а не только за постановочными трюками и изысками. По крайней мере, такова была публика на этом фестивале – а его программе оказались постановки, самые разные по творческой манере и по выбору драматургического материала.

Спектакль «Царь Федор Иоаннович»

Открыли фестиваль хозяева, Центральный академический театр Российской армии — премьерой по драме Алексея Толстого «Царь Федор Иоаннович» (в постановке и сценографии своего главного режиссера Бориса Морозова). Эффектные, но не перегруженные костюмы (художник Елена Предводителева); строгие, лаконичные, открывающие пространство огромной сцены декорации, главными «ударными элементами которых стали колокола. Мощная и в то же время тонко нюансированная игра Николая Лазарева в роли царя Феодора. Перемещения артистов, особенно в массовых сценах, охватывают и территорию зрительного зала – зрители если не буквально вовлечены в действо, то включены в него «территориально». Потому что режиссерская идея этого спектакля в том, что власть охватывает и обнимает все пространство той земли, где живет народ и строит свою жизнь. Власть необходимо осуществлять – дабы был порядок в земле и обществе, и покой, и защита. Власть – не идол, не фетиш, хотя таким ее грозным, мучительно-притягивающим и отталкивающим символом выступает в финале спектакля надвигающийся на царя Федора, а потом на Годунова трон с «шапкой Мономаха» на сиденье. И важно то, кого изберет судьба для осуществления власти. Власть – проклятие, мука, крест – и насущная необходимость…

Сцена из спектакля «Рядовые»

Драматический театр Восточного военного округа (из Уссурийска) перенес нас на несколько исторических эпох, в годы Великой Отечественной, сыграв драму «Рядовые» в постановке Валентина Свиридова по довольно уже давней пьесе Алексея Дударева. Очень просты декорации– несколько блоков, имитирующих кирпичные развалины, среди которых идут бои (художник-постановщик Юр. Воронов, художник по костюмам Елена Махонько). Это спектакль, в котором главное – артисты, и они выкладываются, что называется, по полной – хотя далеко не все роли получились одинаково удачными и равными по наполненности и убедительности.

В афише фестиваля оказался еще один спектакль, тоже по «военной пьесе» А. Дударева (но уже сравнительно недавно написанной) – «Не покидай меня»: постановка Александра Губарева, в Драматическом театре Черноморского флота им. Б. Лавренева (Севастополь, Крым). Это тоже достаточно лаконичное по сценографическому решению действо (художник-постановщик Галина Бубнова), построенное по законам реалистического психологического проживания актерами жизни своих персонажей.

Спектакль «Не покидай меня»

Оба спектакля публика смотрела чутко, воодушевленно принимала артистов. Но оба эти спектакля обозначили проблему, о которой речь шла в первой части этого обзора – о том, что тексты наших современников, еще недавно вызывавшие грандиозный энтузиазм театров и горячий прием зрителей, на наших глазах как бы устаревают, теряют свое обаяние. Но, пожалуй, это все же не «старение», не «истирание-изнашивание» текста. Скорее, тут надо говорить о том, что время требует более внимательного и вдумчивого вглядывания в природу каждого прозаического и драматургического текста, к которому обращается театр. Пьесы Дударева только по видимости бытово-натуралистические и жизнеподобные. При всей точности житейских знаков и обрисовке характеров, этот автор тяготеет к обобщенно-эпическому, а не приземленному рассказу о жизни и уж, тем более, — о войне. Неявно, но достаточно внятно строй его пьес опирается на принципы мифо-поэтики и народного сказа. Хотя по форме – это вроде бы чистый «реализм».

Примерно то же можно сказать о спектакле «Медея» Драматического театра Северного флота (Мурманск) — молодой режиссер Анны Фекеты (это была ее первая большая и масштабная сценическая работа) взяла для постановки давнюю пьесу Людмилы Разумовской. Разумовская погрузила финал знаменитого мифа о Золотом руне, Ясоне и Медее в густой быт, придав событиям оттенок кухонной, приземленной склоки. Анна Фекета стремилась вернуться к природе мифа, обобшить и приподнять до символа историю взаимоотношений мужчины и женщины – горючую смесь любви, верности, разочарования, горести и мести.

Спектакль «Медея»

Вся декорация – широкий наклонный подиум. Фон – белый экран, который меняет цвет в зависимости от настроения эпизода (художник-постановщик Р. Чебатурина). И «Медей» здесь несколько – это разные стороны женской природы, разные ипостаси характера Медеи, хор ее разных «я». Бытовые интонации в речи актеров сплетаются со сложной небытовой пластикой с элементами модерн-танца (балетмейстер О. Даниловская). Получилась довольно интересная, но неровная работа – видна твердая режиссерская рука, сильный потенциал, но тут замыслу режиссера, пожалуй, во многом мешает природа именно этого драматургического материала.

Встык с относительно современными пьесами в программе смотра контрастно прозвучала классика — Драматический театр Балтийского флота им. Вс. Вишневского из Кронштадта показал новую версию постановки «Вольпоне и наследники» по пьесе Бена Джонсона в режиссуре Владимира Филиппова. Здесь тоже декорации – минималистичны. Главное – обозначить место действия. Основная визуальная нагрузка – броские костюмы с яркими деталями, обрисовывающими особенности персонажа (художник-постановщик Валерий Полуновский).

Сцена из спектакля «Вольпоне и наследники»

В этом, опять актуальном ныне до невозможности, плутовском сюжете важны прежде всего актерские работы. Некоторые из них производят очень сильное впечатление – особенно молодой актер Александр Ленин в роли слуги-прохиндея «Мухи»-Моске. И тут снова надо говорить об интересном моменте взаимодействия публики и зрелища. Спектакль большой, с длинными монологами. Театральным специалистам он показался несколько медленным и затянутым. (Это сомнение можно было, пожалуй, обратить к еще кое-каким показанным на фестивале работам.) Однако было ясно видно, что публика не ощущает длиннот. Некоторые замедленные по темпо-ритму эпизоды спектакля зрители не воспринимали таковыми! Они вслушивались в текст, в звучание речи, в вязь слов. Они жили в унисон с действом…

Пожалуй, любопытные наблюдения относительно зрителей можно было сделать и в последний день фестиваля, когда на его закрытии «хозяин смотра» ЦАТРА, — сыграл постановку Бориса Морозова «Одноклассники» по пьесе нынешнего главного редактора «Литературной газеты» Юрия Полякова. Вообще-то это мелодрама. Но критичный взгляд автора, едко обрисовывающий противоречия нашей новой как бы «капиталистической действительности с нечеловеческим лицом» и людские амбиции и слабости, вплетает в лирические мотивы и явные сатирическо-издевательские нотки. Текст получился довольно противоречивый по стилистике и обобщенно-критический по отражению жизни. Но театр, не избегая гротеска и даже фарсовости, все же предлагает действо, построенное по закону реалистического, как бы жизнеподобного, психологического театра. И зрители, легко отзываясь и на иронию автора, и на актерско-режиссерские гэги, тем не менее – и это явно чувствовалось – смотрели спектакль, как рассказ про реальную, «свою», жизнь…

Спектакль «Одноклассники»

Наряду с «Царем Федором Иоанновичем», пожалуй, самое сильное впечатление на фестивале подарил Драматический театр Тихоокеанского флота (Владивосток): он сыграл спектакль-мелодраму «Фронтовичка» (постановщик Станислав Мальцев) – по пьесе «Небылица» современного уральского молодого российского драматурга Анны Батуриной, ученицы Н. Коляды. Это история о молодой женщине, воине, вернувшейся после госпиталя с фронта и вживающейся в мирную жизнь. Судьба бьет ее и ломает. Ее предает любимый, бывший ее однополчанин. И даже едва не убивает ее в припадке злобы и ревности… Судьба кидает эту стойкую, живучую страдалицу с места на место, испытывая на излом, давая поначалу возможность заняться любимым делом и обрести любовь учеников – а потом отнимая это дело. И, однако, пьеса молодой нашей современницы (и постановка по ней) о женщине из давнего-давнего трагического времени пронизана любовью, юмором, добротой, удивительным сердечным теплом и надеждой.

Спектакль «Фронтовичка»

Именно не горечь, а стойкую надежду дарят и эта пьеса, и спектакль дальневосточного флотского театра… Молодой автор не морализирует. А пишет как бы сказ (пьеса и названа «Небылица» — по фамилии главной героини и по сути происходящего). Это притча о перипетиях судьбы и стойкости женского характера. Об умении «держать удар» и крепко стоять на ногах. О мужестве и прощении. Может быть, самой начало – пролог и отчасти вторая часть пьесы (и постановки) не во всем удались. Но автор внятно слышит живую речь людей и биение их сердец. И театру (а с ним и зрителям!) легко жить в этой вроде придуманной – и такой жизненной по самой своей сути – истории…

Между первой и второй программами фестиваля армейских и флотских театров «Звездная маска» прошло больше шести лет. После нынешнего смотра на итоговом круглом столе речь шла о том, чтобы этот фестиваль стал действительно регулярным и постоянным, проходя с периодичностью, скажем, раз в два года. Так что следующий смотр будет, видимо, приурочен к 70-летию Победы в Великой Отечественной войне. Возможно также, что будет проведен открытый конкурс драматургии на историческую, военную и современную тематику.